半世紀ぶりに『もう一人のヒト』の内容を確認2019年09月21日

 紀伊国屋ホールで青年劇場公演『もう一人のヒト』(作:飯沢匡、演出:藤井ごう)を観た。初演は1970年、今回の公演は「飯沢匡没後25年記念」と謳っている。

 飯沢匡という喜劇作家の名は私が高校生の頃には新聞や雑誌でよく目にしていた。だから、よく知っている人のように感じていたが、考えてみると飯沢匡の芝居を観た記憶も著作を読んだ記憶もない。

 『もう一人のヒト』という題名は記憶に残っている。秀逸なタイトルである。それが喜劇で、「ヒト」が人間宣言をした天皇を指すとは知っていた。それ以上のことは知らない。どんな芝居なのか興味を抱いたまま半世紀近い時間が経過した。あの印象的なタイトルの芝居の上演を知り、内容を半世紀ぶりに確認したく、チケットを手配した。

 上演時間は3時間5分(休憩15分を含む)と、かなり長い。退屈はしなかったが、ややモノ足りなかった。天皇制に切り込むブラック・コメディを予感していたが、「しんみり」「ほのぼの」の印象が残る芝居である。あまりに普通なのが意外だった。

 この芝居は熊沢天皇をヒントにした終戦時の話である。南朝の末裔を自称する「熊沢天皇」のことは子供の頃に聞いて驚いた記憶がある。天皇をコメディの材料にするのは、昔も今もキワドイ話になりやすく、勇気が必要である。飯沢匡が「熊沢天皇」をどう料理したか、その反骨精神に期待したが、肩すかしをくらった気がした。

 よくできた面白い芝居だとは思うし、これ以外の具体的な料理法も思いつかない。だが、天皇制を徹底的に相対化し、その戦争責任あるいは無責任に踏み込むハチャメチャな内容にする可能性があったのではとも思う。

シェイクスピアの『お気に召すまま』を観た2019年08月04日

 池袋の東京芸術劇場プレイハウスでシェイクスピアの『お気に召すまま』(演出:熊林弘高、出演:満島ひかり、坂口健太郎、他)を観た。

 観客は比較的若い女性が多く、華やかな雰囲気だった。『お気に召すまま』は大団円で終わるやや祝祭的で軽妙な恋愛喜劇というイメージがある。とは言え400年以上昔の古典だから、現代人にはピンと来ない展開やわかりにくいセリフもある。にもかかわらず、21世紀の若い観客を引き寄せることができるエンターテインメントに仕上がっているのに感心した。

 この芝居の要は、男性に扮した娘ロザリンド(満島ひかり)が恋人のオーランド(坂口健太郎)と絡み合う場面の面白さにある。オーランドが相手を男と思い込み、自分の恋人と気づかないのを不自然と考えるのは野暮であり、芝居を成り立たせる約束ごととしてそのまま受けいれるしかない。

 満島ひかりはテレビドラマで明智小五郎を怪演していたので、彼女が女性と男装女性をどう演じ分けるか興味があった。公演のホームページに付け髭姿で語る動画があったので、男装のときには付け髭になるのだろうと思っていた。

 ところが、男装の場面になっても衣装が変わるだけで髭はなかった。どう見てもロザリンドそのままで、それにオーランドが気づかないのが不思議に見えてくる。女性と男性をあいまいにしてしまうところに演出意図があるようだ。「男性と女性」だけでなく「男性と男性」「女性と女性」もありという雰囲気を醸し出しているような舞台だった。

 なお、この芝居には「この世界はすべてこれ一つの舞台、人間は男女を問わずすべてこれ役者にすぎぬ」という名セリフがあり、これを舞台で聞けて嬉しかった。上記の引用は手元の小田島雄志訳で、今回の公演は早船歌江子の新訳なので、多少違っているかもしれないが、聞いたときの印象は小田島訳とさほど違ってはなかった。

懐かしき映画『新宿泥棒日記』……そして『由比正雪』を2019年06月30日

 Space早稲田で流山児事務所公演の『由比正雪』(作:唐十郎、演出:流山児祥)を観た。1968年に状況劇場が紅テントで上演した芝居の再演である。

 私が状況劇場の芝居を観始めたのは1969年12月の『少女都市』からなので『由比正雪』は観ていない。戯曲は当時ゾッキ本で古本屋に積まれていた『ジョン・シルバー』(唐十郎作、横尾忠則絵/天声出版)に収録されているので読んでいる。

 観ていないこの芝居に懐かしさを感じるのは、私の状況劇場初体験が大島渚の映画『新宿泥棒日記』だからである。横尾忠則主演のこの迷宮映画の影の主演が唐十郎で、花園神社の紅テントの芝居が映画の中に色濃く混入している。混入している芝居は『由比正雪』である。

 映画『新宿泥棒日記』で唐十郎に幻惑され、大学祭での状況劇場の歌謡ショーに圧倒され、紅テントに通うことになった。すべて半世紀前の1969年、私が二十歳の頃の事象である。

 今回の『由比正雪』では、流山児祥が「朝は海の中 昼は丘 夜は川の中 それは誰?」という唄を少しアレンジして披露したのがうれしかった。この歌は『由比正雪』の戯曲には出てこない(おそらく、それ以前の『アリババ』の挿入歌)が、『新宿泥棒日記』の牽引歌である。『由比正雪』でこの歌は聞けないだろうと思っていたので感激した。

 21世紀になって観た『由比正雪』は、半世紀前の舞台とはかなり違っているだろうと推察できる。「剣にとって美とはなにか」というセリフは今と昔ではウケが違うし、「由比正雪」に革命騒乱を重ねる趣向も60年代的だと思う。にもかかわらず、2019年の若い役者たちがこの芝居を演じていることに感動し、不思議な感覚におそわれる。唐十郎ファンだった私は、その芝居の射程がこれほど長いとは思っていなかった。

 考えてみれば、この1年半で私は唐十郎の芝居6本観ていて、その上演主体がすべて違っている(以下のリスト参照)。スゴイことだと思う。この先の半世紀も唐十郎の芝居は受容されていき、古典になるのだろうか。

 2018年1月『秘密の花園』(東京芸術劇場/演出:福原充則)
 2018年5月『吸血姫』(劇団唐組/演出:久保井研+唐十郎) 
 2018年12月『腰巻お仙 振袖火事の巻』(日本の演劇人を育てるプロジェクト/演出:小林七緒) 
 2019年2月『唐版風の又三郎』(シアターコクーン/演出:金守珍)
 2019年6月『蛇姫様』(新宿梁山泊/演出:金守珍)
 2019年6月『由比正雪』(流山児事務所/演出:流山児祥)

大黒屋光太夫を描いた「三谷かぶき」を観た2019年06月22日

歌舞伎座で6月大歌舞伎の昼の部、夜の部を観た。演目は以下の通り。

 昼の部
  寿式三番叟
  女車引
  梶原平三誉石切(鶴ケ岡八幡社頭の場)
  恋飛脚大和往来(封印切)
 夜の部
  月光露針路日本(つきあかりめざすにほん)

 昼の部と夜の部ではガラリと趣が変わる。いかにも歌舞伎らしい歌舞伎と三谷幸喜作・演出の「三谷かぶき」の両方を楽しめた。

 昼の部は目出たくて華やかな舞踊劇に続いて中村吉右衛門&播磨屋一門の「石切梶原」と片岡仁左衛門&松嶋屋一門の「封印切」という歌舞伎らしい見せ場芝居である。両方とも300両(約2000万円)という金銭がらみの話で、どちらも「石」や「金包みの封印」を「切る」という場面がクライマックスになっているのが面白い。吉右衛門の貫禄、仁左衛門の色気と姿の良さを感じた。

 夜の部『月光露針路日本』は大黒屋光太夫が主人公である。2年前に『おろしや国酔夢譚』(井上靖)と『大黒屋光太夫』(吉村昭/新潮文庫)を読んだので、大黒屋光太夫への関心はある。ロシアに漂着し、サンクトペテルブルグで女帝エカテリーナ2世に謁見して帰国を果たした人物である。

 『月光露針路日本』の原作は『風雲児たち』(みなもと太郎)という長編漫画だそうだ。私はこの漫画は読んでいない(みなもと太郎は懐かしい名前だ。ギャク漫画『ホモホモ7』はスゴかった)。

 光太夫を演ずるのは松本幸四郎で、市川猿之助や片岡愛之助などの他に幸四郎の父(白鸚)と子(染五郎)も出演する。

 市川高麗蔵(61歳)が可憐なロシア娘・アグリッピーナに扮して染五郎(14歳)の恋人を演じたのは驚いた。不気味・滑稽を通り越して何でも演じてしまう歌舞伎役者のスゴさを感じた。

 「三谷かぶき」は面白くてわかりやすい。義太夫節で「イルクーツク!」などと朗々と張り上げるので、私でも容易に聞き取れる。江戸時代の人にとっての歌舞伎や義太夫は、かくもわかりやすくて面白いものだったのであろうと想像した。

 『月光露針路日本』の舞台は船上とロシアの地で日本は登場しない。日本が見えてきた所で終幕になる。いい終わり方だと思う。だが、日本に帰還して江戸で取り調べを受けるあたりまでを舞台で観たいとも思った。

 光太夫が江戸に到達したのは寛政5年(1673年)、松平定信の寛政の改革の頃である。その前年には海国兵談の林子平が処罰され、翌年には写楽の大首絵が売り出される。仮に当時の情報流通事情がよく、オカミの統制も緩かったとすれば、光太夫の物語は絶好の同時代演劇の材料になっただろうと空想する。

神奈川芸術劇場で『ゴドーを待ちながら』を観た2019年06月20日

 神奈川芸術劇場で『ゴドーを待ちながら』(演出:多田淳之介)を観た。20世紀を代表するあまりに高名な芝居である。ベケットがノーベル文学賞を受賞したのは1969年、川端康成受賞の翌年で私が大学生の頃だ。

 学生の頃に戯曲を読み舞台写真も眺め、それだけで芝居の印象は刻印された。これまで私はこの芝居を観る機会がなかったが、観ていなくてもすでに観た気分になっていた。

 今回の神奈川芸術劇場での公演は「昭和平成版」と「令和版」の二つのバージョンを交互に上演すると知り、よくわからないながらも面白そうだと思いチケットを手配した。

 私は早とちりで「交互」の意味を勘違いしていた。1回の公演で「場」ごとに「昭和平成版」「令和版」を繰り返しながら上演するのだろうと思い、1回で2パターンを観劇できるのはお得だと感じたのである。

 チケット入手後、「昭和平成版」と「令和版」の公演を交互に上演するのだと気づいた。私のチケットは「昭和平成版」だった。上演時間を考えてみれば一度に2つのバージョンをやるのは難しいと気づくはずだった。しかし、この芝居は少しずつズレながらのくり返しの趣があるので、「昭和平成版」「令和版」を混ぜてくり返すという方法も面白いと思う。

 『ゴドーを待ちながら』(昭和平成版)の舞台は十分に楽しめた。円形舞台の4方向に客席があり、客席部分に舞台装置がくいこんでいる仕掛けが面白い。わかりやすさとわかりにくさが混在した20世紀の古典民話のような世界だと感じた。

 実は、今月末『由比正雪』(作:唐十郎、演出:流山児祥)という唐十郎の初期作品の再演を観る予定があり、そのことも今回の観劇の動機だった。『由比正雪』のチラシに「虚実入り混じった唐版「ゴドーを待ちながら」が始まる」とあり、ナンジャと思っているときにゴドー上演を知り、そのチケットも手配したのである。『由比正雪』を観たら、あらためてゴドーを考えてみたい。

花園神社で往年のテント芝居『蛇姫様』を観た2019年06月17日

 新宿・花園神社境内で新宿梁山泊のテント芝居『蛇姫様 わが心の奈落』(作:唐十郎、演出:金守珍)を観た。1977年に状況劇場・紅テントで上演された芝居である。

 私は1977年に青山墓地の紅テントで『蛇姫様』を観ている。社会人5年目で、私が観た状況劇場の芝居ではかなりの後期になる。客演・清川虹子という意外性を憶えているだけで内容は失念している。

 新宿梁山泊の芝居を観るのは初めてである。『蛇姫様』を観ようと思ったのは出演者に大久保鷹と大鶴義丹の名があったからだ。

 往年の紅テントの怪優・大久保鷹の姿は、昨年末「Space早稲田」でほぼ半世紀ぶりに観た。元気なうちにもっと舞台上の姿を観ておこうと思った。唐十郎と李礼仙の血を引く大鶴義丹が父親の芝居をどう演ずるかにも興味がわいた。

 そんな役者への関心とは別に、観たはずなのに内容が頭に残っていない芝居を再度観れば記憶がどの程度よみがえるだろうという、己の頭への関心もあった。

 で、2時間50分の観劇の結果、悲しいかな記憶のよみがえりはほとんどなかった。初めての芝居を観ている気分だった。とは言え、現代の若い役者が往年の役者のイメージに重なってくる。この役は根津甚八だった、この役は李礼仙だったとわかる。清川虹子が演じた役もわかるし、大鶴義丹が往年の唐十郎の役を演じているのもわかった。その他はよくわからなかった。

 帰宅して古い記録(『写真集 状況劇場全記録』)を調べてみると、今回、大久保鷹が演じたのは1977年の天竺五郎の役で、往時の『蛇姫様』に大久保鷹は出演していない。すでに状況劇場を退団していたのだと思う。

 でも、年は取っても大久保鷹にはいまもフワリ・ニヤリとした独特の雰囲気がある。

 今回の台本が往時の台本にどの程度忠実なのかは知らないが、在日韓国人の「帰化」が明確に芝居のベースにあるのが意外だった。李礼仙を擁する状況劇場が1970年前後の日韓の問題にさらされていたことは知っていたつもりだが、「帰化」という言葉が『蛇姫様』のキーワードになっていたことをまったく失念していた。

 また、この芝居が紅テントらしいカタルシス的盛り上げでラストにもっていくという単純な形になっていないように感じられのも意外だった。

ロバート・アイク翻案の『オレステイア』に感心2019年06月12日

 新国立劇場中劇場で『オレステイア』(原作:アイスキュロス、作:ロバート・アイク、演出:上村聡史、出演:生田斗真 他)を観た。ギリシア悲劇を英国の若い作家が翻案した舞台である。

 チラシの印象で設定を現代に変えた舞台を想像していたが、そう単純ではなかった。シンプルな舞台装置はややや抽象的な空間を構成している。時代を特定しがたい物語世界と現代と思われる世界とを往来する舞台だった。時間を超越した舞台に、芝居を上演しているリアルタイムの時間が流れ込んでくる仕掛けになっている。

 そんな不思議な舞台に確かにギリシア悲劇の空間を感じることができた。新国立劇場中劇場は客席が扇形の階段になっていて「中劇場」と言っても客席は千ぐらいはあり、ギリシアの屋外劇場の雰囲気もある。青空の下ではないが、かすかに古代の空気を感じた。

 私は昼の部に行ったが開演13時で終演は17時20分、途中20分の休憩が2回入るが実質3時間40分とかなり長い芝居である。でも退屈はしなかった。古代ギリシアの人々はもっともっと長い時間を観劇に費やしたのだと思う。

 観劇の直前にアイスキュロスの『オレステイア三部作』を読んでいたので、この舞台によってアイスキュロスの世界への理解が深まった気がした。と言っても、テイストは原作とかなり異なる。

 原作ではさほどに感じなかった「戦争」と「家族」がこの舞台では印象深い。いつの時代にも重要な普遍的テーマだと再認識した。原作では実在の人物であるオレステイアの姉エレクトラ(エレクトラ・コンプレックスの元になった人物)をオレステイアの心の中にだけ存在する幻想に変更しているのには驚いた。作家の才能を感じる。

 「エレクトラは幻想の存在」という点をふくらませれば、より興味深い芝居になりそうに思えるが、それでは原作からかけ離れすぎてしまうだろう。ギリシア悲劇にインスパイアされる作家はいつの時代になっても存在することを確認し、2500年の時間の長さと短さを感じた。

アイスキュロスを読み、ギリシア悲劇の秘めたる力を感じた2019年06月09日

『ギリシア悲劇Ⅰ アイスキュロス』(ちくま文庫)
 新国立劇場で上演されるアイスキュロス原作『オレスティア』のチケットを購入したので、観劇前の準備に次の本を読んだ。

 『ギリシア悲劇Ⅰ アイスキュロス』(ちくま文庫)

 アイスキュロスはギリシアの三大悲劇詩人の一人である。「ギリシア悲劇」という言葉に一定のイメージをもっているが、私はこれまでにギリシア悲劇を観たことも読んだこともなかった。チケット購入の動機には、これを機会に「ギリシア悲劇」を読もうと思ったこともある。

 本書には次の作品が収録されている。

  縛られたプロメテウス(呉茂一訳)
  ペルシア人(湯井壮四郎訳)
  オレスティア三部作
    アガメムノン(呉茂一訳)
    供養する女たち(呉茂一訳)
    慈しみの女神たち(呉茂一訳)
  テーバイ攻めの七将(高津春繁訳)
  救いを求める女たち(呉茂一訳)

 アイスキュロス(BC525-456)は「歴史の父」ヘロドトスよりは年長の人で、90の作品を書いたそうだが、本書収録の7作品しか現存していない。

 『オレスティア』は全三部作が残っている。他の4つはそれぞれ三部作の中の1編が残ったものである。当然のことながら『オレスティア』が最も印象深いが、他の作品も古代の原初的な演劇の様子を偲ぶことができて興味深い。

 私がイメージするギリシア悲劇のイメージはソポクレスの『オイディプス王』であり、それはさまざまな引用文や映画(パゾリーニの『アポロンの地獄』、松本俊夫の『薔薇の葬列』)などの雑多な情報で形作られている。

 今回、アイスキュロスの作品を読んで、ギリシア悲劇がコロスという合唱で成り立っていることを改めて認識した。そして、ゼウスをはじめとするさまざまな神々の大きな役割を知った。ギリシア悲劇は神話や伝説をベースにした話が多いが、そこに登場する神々はいかにもギリシアらしく人間的である。神々は、敬ったり畏れる対象というよりは劇中の登場人物になり切っている。

 観劇予定の新国立劇場の『オレスティア』は、アイスキュロスの原作を元に現代の作家が再構成した作品だから現代劇かもしれない。それはそれで楽しみではあるが、本書を読むと古典的なギリシア悲劇の舞台を観たいと感じた。

 ギリシアで活躍したアイスキュロスは何度かシチリアを訪問し、シチリアのジェーラで没している。私は昨年シチリア旅行をし、ジェーラにも行った。多くのギリシア劇場遺跡も観光した。あんな劇場で仮面のコロスたちが繰り広げる舞台を想像すると、現代も紀元前5世紀もさほど変わりない気がしてくる。

 本書を読んで感じたのは、ギリシア悲劇は、そのまま演じてもいいだろうが、その悲劇にインスパイアされて新たなものを作り出す力を秘めているということである。この二千数百年の間多くの人がインスパイアされてきたはずだ。

沖縄で組踊300周年記念公演を観た2019年05月22日

 2019年5月15日、「国立劇場おきなわ」で組踊を観た。3月に東京の国立劇場で「組踊と琉球舞踊」という催しを観ているので初体験ではない。2回目に過ぎないのに妙な懐かしさを感じた。

 組踊とは琉球王府の踊奉行だった玉城朝薫が中国の冊封使歓待のために制作した沖縄独自の歌舞劇で、1719年に初めて上演された。玉城朝薫は江戸に派遣されたこともあり、能・狂言・歌舞伎などの影響のもとに組踊を考案したそうだ。「踊奉行」という言葉からは浮世離れしたのんびりした印象を受けるが、玉城朝薫という人は何でもできる有能な行政官だったらしい。

 今年は組踊上演300周年で、その記念事業の一つが今回の公演だった。『忠臣身替の巻』という2時間近い演し物の前にトークがあり、伝統組踊保存会会長が50年前の250周年の時の話をした。50年前は本土復帰前で、もちろん国立劇場は存在せず、組踊の継承者も少なく、かなり地味な上演だったそうだ。その後、日本への復帰と同時に国の重要無形文化財に指定され、後継者も順調に育っているそうだ。

 今回の公演は満席だった。出演者は若手から80歳を越えた長老まで幅広い。伝統芸能が継承されて行く現場に立ち会ったような気分だった。

 組踊はかなりゆったりとした歌舞劇である。役者はゆっくりとした歩みで舞台に出てくるし、歌もスローテンポだ。『忠臣身替の巻』は仇討ち話だが肝心の仇討ち場面は舞台上では演じられない。討たれる側が舞台に登場して台詞を朗じると下手にゆるりと去って行く。続いて討つ側が現れて台詞を朗じて下手にゆるりと去る。しばらくして、討つ側が下手からゆっくりと再登場するとすでに仇討ちは終わっている。歌舞伎のようにどぎつい場面や見得を切るシーンはない。そのユルさが組踊の魅力に思えた。

チェーホフの『かもめ』は謎が残る2019年04月17日

 新国立劇場小劇場でチェーホフの『かもめ』(演出:鈴木裕美)を観た。半世紀以上昔の学生時代、チェーホフの4大劇(『かもめ』『ワーニャ伯父さん』『三人姉妹』『桜の園』)の戯曲から大いなる感銘を受けた。だが、舞台は『桜の園』を観たことがあるだけで、『かもめ』の観劇は初体験である。

 チェーホフの戯曲が印象深いのは確かだが、半世紀以上が経過するとその漠然たる印象の記憶だけが残っていて、芝居の内容はほとんど失念している。観劇前に書架の奥にあった新潮文庫の『かもめ・ワーニャ伯父さん』(神西清訳)を再読し、チェーホフ世界がよみがえった。

 上演パンフによれば『かもめ』の翻訳は十数種あり、今回はあえて英語台本を日本語に翻訳したものを使ったそうだ。と言っても、原作を逸脱しているわけではなく、チェーホフ世界の雰囲気を堪能できた。

 チェーホフを「暗い」という人がいるが、暗いとは思わない。苦さと滑稽が混ざった、チェーホフ的とか表現できない独特の味わいの世界だと思う。

 『かもめ』はコンスタンティン(トレープレフ)という若者の自殺を医師ドールンが作家トリゴーリンに耳打ちする衝撃的で静かなシーンで幕切れになる。印象深い幕切れだが、謎が残る。

 戯曲を読んでもよくわからず、舞台を観てさらに謎が深まったのは「かもめの剥製」である。シャムラーエフ(管理人)がトリゴーリン(作家)からの依頼でかもめを剥製にしたと言って、それを取り出すが、トリゴーリンは「覚えがないなあ」を繰り返す。

 この芝居では「かもめ」は最初から象徴的に扱われている。ニーナの「私は――かもめ。そうじゃない。私は――女優」という科白も印象的である。だが、「かもめの剥製」は唐突で不思議である。その不気味さが解読できない。

 トリゴーリンの記憶喪失か、シャムラーエフの悪意か、別のだれかが剥製作成を依頼したのか、また、剥製に含意されているのは否定的なものなか肯定的なものなのか、私にはわからない。生と死を定着させて後世に伝える「文学作品」の象徴なのだろうか。『かもめ』は名作古典なので、これまでにいろいろ解読されてきたのだろうとは思われるが…